Visiter la Galerie des Offices à Florence: 12 meilleurs temps forts, conseils et visites

2024 Auteur: Ada Peters | [email protected]. Dernière modifié: 2024-01-15 16:02

Pour les amateurs d'art, la Galerie des Offices est l'attraction numéro un à Florence. Les touristes plus occasionnels, qu'ils voient la galerie de manière indépendante ou en visite guidée, voudront au moins voir ses points forts, y compris son œuvre la plus célèbre: Naissance de Vénus de Botticelli. En dehors de sa taille, peut-être la chose la plus ahurissante à savoir avant de visiter la Galerie des Offices est qu'il s'agissait d'une collection privée d'une famille - et seulement une partie de celui-ci, à cela. L'art plus précieux est caché dans leurs autres palais et villas.

Au-delà des collectionneurs, les Médicis étaient de grands mécènes, et sans leur patronage, beaucoup de ces œuvres pourraient ne jamais avoir été créées. À un moment de votre visite, arrêtez-vous pour un bref signe de remerciement à la femme qui a assuré que cette grande collection - et les autres œuvres d'art Médicis - resterait ici à Florence. Les collections ont été léguées à la ville par Anna Maria Ludovica von der Pfalz, la dernière héritière de la maison de Medici, qui est morte en 1743. Et elle a stipulé qu'ils doivent rester à Florence.

La Galerie des Offices contient l'une des collections de peintures les plus importantes au monde. Outre l'art florentin et italien, il comprend également un grand nombre d'œuvres étrangères et de la sculpture classique. Son plus grand trésor est la collection unique de peinture de la Renaissance florentine, une partie essentielle de la contribution de cette ville à l'art européen. Ces œuvres entre environ 1300 et 1500 ont ouvert la voie à l'ensemble de l'art occidental qui a suivi.

Dans ce guide, vous trouverez les points forts des trésors des Offices, suivant le même ordre que celui du musée. Les œuvres sont montrées dans l'ordre chronologique selon le moment où elles ont été peintes, en commençant par la salle 2 au deuxième étage des Offices. Cependant, au-delà de la salle 13, galerie octogonale du Tribune, les œuvres ne sont plus dans l'ordre chronologique mais selon les écoles, les régions et les pays. Ils couvrent des œuvres d'environ 1500 à 1700.

1 La Madonna de Cimabue, intronisée et l'art toscan du 13ème siècle

La salle 2 des Offices réunit trois grandes madones datant de 1300 environ, illustrant les débuts de l'art toscan et l'un de ses premiers points forts. Ces trois tableaux, vus ensemble, sont la meilleure introduction que vous puissiez demander, à la fois aux Offices et à l'art de la Renaissance. Madonna de Cimabue intronisée (vers 1275) est encore entièrement dans la tradition byzantine de la peinture de la Vierge, qui ressemble à une statue, à l'écart de la réalité et entourée d'anges symétriquement disposés. Le Christ infantile de Cimabue est habillé comme un général romain, et il n'y a aucun signe d'échange tendre entre la mère et le fils. Par contre, Duccio Madonna intronisée (1285) montre plus de mouvement, avec des couleurs douces et des lignes fluides, mais toujours éthéré et distant.

La première apparition d'une vision humaine et réaliste est dans le Madonna intronisée par Giotto (vers 1310). Le trône semble presque à portée de main, les personnages ont du poids et de la solidité, établissant un contact visuel entre eux et le spectateur. Giotto a été le premier artiste à représenter la Vierge en tant que femme avec une présence physique, et même ses figures mineures sont animées et ont différentes expressions faciales. Il se détache des couleurs plus ternes de l'art byzantin, mais les décors restent l'or traditionnel. La réalisation la plus importante et historique de Giotto, cependant, était sa composition. Il a été le premier peintre à créer un espace bien défini qui considère l'œil du spectateur, et sa composition pyramidale a créé un modèle qui durera des siècles. Le style plus personnel et réaliste de Giotto devait conduire à une véritable renaissance de l'art. Dès lors, peindre serait un art à part entière, en éclipsant finalement la sculpture.

2 Annonciation par Simone Martini & Lippo Memmi (Art toscan du 14ème siècle)

Annonciation par Simone Martini & Lippo Memmi (Art toscan du 14ème siècle) Leonid Ll / photo modifiée

Les galeries suivantes montrent comment les autres peintres changeaient des anciennes normes. Bien que Annonciation (vers 1333) par l'artiste siennois Simone Martini et son beau-frère Lippo Memmi, est encore très gothique, il montre déjà la transition vers un nouveau réalisme. Le décor, avec ses tourelles et ses pignons, sonne d'une architecture gothique, mais le vêtement flottant de l'ange et la Vierge montrent beaucoup de raffinement et d'élégance. Les mouvements ont de la tendresse et de la sensibilité, mais les délicates images féminines sont encore presque éthérées.

Parmi d'autres exemples siennois du XIVe siècle, citons la Madone en Gloire (1340) de Pietro Lorenzetti, disciple de Giotto, et des scènes de la vie de Saint-Nicolas d'Ambrogio Lorenzetti, remarquables pour leurs tentatives d'utilisation de la perspective. Les plus éminents des disciples florentins de Giotto représentés ici sont Bernardo Daddi (mort en 1348) et Taddeo Gaddi (mort en 1366), dont les retables utilisent des couleurs délicates et des lignes douces et gracieuses pour montrer les gens et les décors de façon plus réaliste.

3 Adoration des mages par Gentile da Fabriano

Le gothique a continué à dominer l'art au début du 15ème siècle, mais bien que l'Adoration des Mages (1423) de Gentile da Fabriano exprime encore l'idéal gothique de la beauté, son attention aux détails marque la transition précoce du gothique à la Renaissance.Vous pouvez également voir en arrière-plan, sous les arcades du cadre fleuri du retable, les prémices d'une tentative de mise en perspective alors que le cortège se réduit et disparaît presque à l'horizon. Ceci est considéré comme son chef-d'œuvre, et la quintessence de la peinture gothique internationale.

Le contemporain de Fabriano, Masaccio, a encore révolutionné l'art de la perspective dans ses efforts pour créer trois dimensions sur une surface bidimensionnelle. La Vierge et l'Enfant de Masaccio avec Sainte Anne (vers 1420), peint avec Masolino, est l'une de ses premières œuvres. Il se range avec Brunelleschi et Donatello comme l'un des fondateurs de la Renaissance, une nouvelle expérience artistique dans la réalité, basée sur l'observation et l'enregistrement de la nature avec précision. Vous pouvez le voir dans la modélisation en relief et la beauté naturelle réaliste des visages et des figures Le retable de Masaccio.

Regardez aussi pour Couronnement de la Vierge de Fra Angelico, le moine dominicain, contemporain de Masaccio, et dont la conception mystique et religieuse de l'art le prend dans la direction opposée. Mais il innovait d'autres façons. Alors qu'il utilise encore des fonds d'or et des figures éthérées drapées, les riches couleurs de Fra Angelico et l'arrangement circulaire des figures créent une perspective picturale unificatrice.

4 La Vierge et l'Enfant de Domenico Veneziano

Abandonnant la convention précédente d'un fond d'or pour un retable, dans ce travail de 1445, Veneziano porte la perspective vers de nouveaux sommets en plaçant les saints harmonieusement dans un demi-cercle, et accentue l'effet de profondeur par les motifs géométriques du marbre incrusté. Sa principale innovation, cependant, est venu en tant que maître de lumière et d'ombre réaliste. Ses fines nuances et ses délicates nuances de couleur étaient bien en avance sur les solides zones de couleur forte utilisées par ses contemporains florentins. L'utilisation de la lumière et des couleurs par Veneziano a influencé le travail de Piero della Francesco, qui a souvent collaboré avec lui.

5 Portraits du duc et de la duchesse d'Urbino par Piero della Francesca

Portraits du duc et de la duchesse d'Urbino par Piero della Francesca Darold Massaro / photo modifiée

La peinture de portrait était un autre foyer pour l'art de la Renaissance tôt - et un qui a gardé des patrons heureux. Portraits du duc et de la duchesse d'Urbino par Piero della Francesca à partir de 1465 sont un bon exemple. Mais Piero ne flatta pas ses assistants, montrant le nez aquilin du duc, ses rides, ses lèvres minces et sa constitution trapue. Remarquez le fond, un exemple rare du paysage de la Renaissance.

Plus comme un portrait que l'art religieux est La Vierge et l'Enfant de Filippo Lippi (vers 1460), une jeune Mary élégamment vêtue avec deux anges souriants, une scène montrant l'affection et le contact visuel entre la mère et l'enfant qui reflète des interprétations sécularisées croissantes des thèmes religieux. La salle 9 comporte d'énormes panneaux du Seven Virtues, de Piero del Pollaiolo. En fait, Piero n'a peint que six, le septième est l'une des premières œuvres de Botticelli.

6 Naissance de Botticelli de Vénus

Ce qui vous amène à l'âge d'or de Florence et à l'une de ses étoiles les plus brillantes, Botticelli. Avec leur propre agrandissement, les patriciens florentins s'intéressaient intensément à la littérature et à la philosophie classiques, et Botticelli's les œuvres les plus célèbres, Naissance de Vénus et Primavera, tous deux commandés par un Médicis, reflètent cela. Dans la Naissance de Vénus (1482/1483) Botticelli combine la pensée classique et chrétienne en termes d'idées de la Renaissance, comme une renaissance de l'esprit de la mythologie classique et de la théologie chrétienne. Il peint un nu féminin sur le modèle d'une statue classique de la déesse de l'amour Vénus, et implique un baptême chrétien (comme le Christ est baptisé dans le Jourdain). Comparez cette pensée florentine avec la Mise au tombeau du peintre flamand Rogier van der Weyden (vers 1450) et le retable Portinari de Hugo van der Goes, tous deux dans la même pièce, pour apprécier combien ces idées florentines différaient de celles d'Europe du Nord. Là, un nu serait impensable, et les figures sont cachées dans des draperies.

Botticelli peint le retable Adoration des Mages vers 1475 alors qu'il avait environ 30 ans, et la commission inclut la représentation des membres de la famille Médicis et de leurs associés parmi les spectateurs. Il a arrangé le groupe dans une pyramide avec la famille sainte à son apogée, au-dessous d'eux les trois rois - les trois plus haut rang Médicis - et au-dessous d'eux dans l'ordre de plus de Médicis et de leurs amis. Le thème actuel semble reculer en arrière-plan, servant davantage de prétexte à une magnifique représentation des Médicis et de leurs partisans.

7 L'Annonciation de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci vécu à une époque de découverte scientifique qui remettait en question les récits bibliques comme seul modèle pour expliquer l'univers. Un trait principal de son travail, qu'il s'agisse de peinture ou de sculpture, introduisait la nature dans son travail de manière à rendre plus crédibles les thèmes religieux mystiques dans un monde qui prenait rapidement conscience de la science. Dans ce premier travail, il montre les ailes de l'ange comme des ailes d'oiseaux réalistes couvertes de plumes.

Leonardo capture également avec sensibilité l'atmosphère de son temps dans le Adoration des mages (1481). Au centre de cette image inachevée, la Madone et l'enfant apparaissent comme une influence stabilisatrice, entourée d'une masse de gens qui saluent la naissance avec émerveillement et étonnement ou avec le doute et la peur. Au lieu d'un conte populaire, la Nativité acquiert une nouvelle dimension de rédemption du monde.

La salle 16 est la dernière de la première partie de la visite des Offices, consacrée à l'art florentin et toscan de 1300 à 1500, principalement dans l'ordre chronologique. L'art de la Renaissance italienne tardive suit dans la salle 25, arrangé selon les écoles de peinture.

8 Le Tribuna

Au centre de l'étonnant octogonal Tribuna, en soi une œuvre d'art, est le Vénus Médicis, la plus célèbre sculpture de marbre classique de Florence et pensée pour être une version grecque tardive de l'Aphrodite de Cnide de Praxitèle. Sur les murs sont des portraits maniéristes de la famille Médicis du milieu des années 1500, les plus remarquables par Pontormo, Bronzino et Vasari. Pietro Perugino, élève de Verrocchio et professeur de Raphaël, est représenté par Madonna with Saints et divers portraits qui montrent son réalisme tridimensionnel et sa couleur tamisée qui ont ouvert la voie à l'art classique de la Haute Renaissance. De même, la turbulence et la couleur de Luca Signorelli's style, comme vous le verrez, son Sainte famille (Californie. 1495) et Vierge à l'Enfant, d'autre part, montrent beaucoup plus de turbulence et de mouvement, une influence sur le jeune Michel-Ange.

9 L'Adoration des Mages d'Albrecht Dürer

En même temps que Florentine et d'autres peintres italiens changeaient le monde de l'art, les artistes allemands se dirigeaient vers leur propre Renaissance, comme vous le verrez dans les chefs-d'œuvre de Albrecht Dürer. Dans Adoration des mages (1504), Dürer montre sa compréhension de la perspective et du jeu de la lumière dans le drapage des vêtements. Il utilise des couleurs de premier plan lumineuses pour favoriser l'illusion de la perspective. Comme d'autres artistes allemands et nord-européens, il inclut une foule de détails et s'efforce de réaliser un réalisme minutieux. L'artiste de Nuremberg est également représenté par son Vierge et Enfant (1526) et par l'un de ses premiers travaux encore en existence, Portrait du Père (1490).

Œuvres d'un artiste allemand Lucas Cranach inclure son portrait de Martin Luther et sa femme Katharina, un autoportrait, un impressionnant Melanchthon, et plutôt érotique Adam et Eve. La peinture vénitienne, caractérisée par une couleur douce et une lumière équilibrée, est représentée par L'allégorie religieuse de Giovanni Bellini (vers 1485) et le portrait de Giorgione d'un cavalier maltais. Représentant également l'art de la Haute Renaissance dans le nord de l'Italie sont des œuvres religieuses par Antonio Allegri, mieux connu sous le nom Correggio, dont les compositions en diagonale, les effets de lumière et les profondeurs inhabituelles de perspective ont eu une influence durable sur la peinture baroque ultérieure.

10 La Sainte Famille de Michel-Ange et la Haute Renaissance

La Sainte Famille de Michel-Ange (1504/1505), connu sous le nom de Doni Tondo, est dépourvu de tout sentiment religieux, la famille apparaissant comme sculptée dans un bloc et montrant la forte formation en sculpture de Michel-Ange. Dans cette peinture, vous verrez des allusions de son chef-d'œuvre sur le plafond de la Chapelle Sixtine dans la profusion de figures nues et les couleurs vives et iridescentes. L'année de la mort de Raphaël (1520) a marqué le début de Maniérisme, la phase tardive de la Renaissance qui a duré jusqu'à environ 1600. Son départ des styles classiques a inclus des formes et des couleurs non naturelles, montrées par la composition presque bidimensionnelle de Moïse de Rosso Fiorentino Défendant les Filles de Jéthro (1523), dont les figures semblent irréelles, presque comme des poupées articulées.

Trois œuvres importantes de Raphaël de cette même période comprennent un autoportrait (vers 1506), son charme La Vierge Marie au Chardonneret, et Le pape Léon X avec les cardinaux Giulio de 'Medici et Luigi de'Rossi. Raphaël dépeint le Pape comme un individu et intellectuel, pas simplement un chef puissant. Madonna d'Andrea del Sarto avec les Harpies, un retable monumental typique de l'art de la haute Renaissance florentine, allie la douceur de Raphaël à la monumentalité de Michel-Ange et aux qualités atmosphériques de Léonard de Vinci. Le maniérisme était la transition du XVIe siècle entre la Renaissance et le Baroque, mouvement turbulent et plein de mouvement, déformant la réalité et interprétant mystiquement la piété. Dans Souper de Jacopo da Pontormo à Emmaüs (vers 1525), vous verrez l'influence de ses professeurs Léonard de Vinci et Andrea del Sarto fusionnés avec l'inspiration du travail tardif de Raphaël et de l'art monumental de Michel-Ange.

Œuvres du grand peintre vénitien Titien comprendre Vénus d'Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Vénus et Cupidon (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, duc d'Urbino, et La Flora, un de ses plus beaux portraits de femmes . La Vénus d'Urbino est particulièrement intéressante pour la façon dont Titien utilise des nuances de rouge pour rassembler les différentes parties de l'image en diagonale. Girolamo Francesco Maria Mazzola, connu comme Parmigianino, a été influencé à son tour par Correggio, la haute Renaissance romaine, et le maniérisme . Madone au long cou, peint entre 1534 et 1540, est un bon exemple de distorsion maniériste, avec ses figures allongées et sa lumière étrange.

11 La Sainte Famille de Veronese avec Sainte Barbara

Si vous n'avez plus les yeux ouverts, regardez dans les galeries restantes, qui contiennent une variété de chefs-d'œuvre, notamment plusieurs d'artistes vénitiens. Sainte Famille de Paolo Veronese avec Sainte Barbara reflète l'opulence de Venise dans ses tons dorés et la richesse de la tenue du saint.Les figures réalistes et les visages expressifs sont typiques des peintres vénitiens. Dans cette galerie sont également l'Annonciation et le Martyre de Sainte Justine de Véronèse, et le Portrait d'un homme de Tintoretto. Dans la pièce voisine sont plusieurs autres par Tintoretto. Regardez, aussi, pour Head of a Youth par Lorenzo Lotto (1505).

Dans les galeries suivantes, on trouve des œuvres de Van Dyck et de quelques-unes des plus belles œuvres de Rubens - Henri IV à Ivry et Henri IV Entrant à Paris, Isabella Brandt, et Entrée de Ferdinand d'Autriche à Anvers. Dans la salle Niobe, cherchez la plus belle sculpture classique de Florence après la Vénus des Médicis, le vase Médicis du IIe siècle av.

12 Portraits de Rembrandt

Tout au long de sa carrière, qui coïncide avec l'âge d'or de la peinture hollandaise, Rembrandt peint une série d'autoportraits, dont deux sont montrés aux Offices. En enregistrant les changements en lui-même de la jeunesse confiante au peintre vieillissant, il enregistre aussi son voyage en tant qu'artiste. Montré avec ceux-ci est son portrait d'un vieil homme, peint à peu près en même temps que son auto-portrait plus tard.

Regardez ici, aussi, pour les œuvres de Caravaggio, y compris son Bacchus juvénile, Méduse et le Sacrifice d'Isaac. Le réalisme saisissant de ces deux dernières œuvres est intensifié par le brillant sens du drame du Caravage dans l'utilisation de la lumière et de l'ombre.

Conseils et visites: Comment tirer le meilleur parti de votre visite à la Galerie des Offices

Visites de la Galerie des Offices: Les visiteurs de la visite de la Galerie des Offices Uffizi peuvent contourner les longues files d'attente pour voir tous les faits saillants et en apprendre davantage sur les artistes et leurs œuvres avec un guide d'art-expert. Le tour de marche d'une heure et demie est disponible l'après-midi toute l'année, le matin et le soir en été. Le ticket vous permet de rester après le tour pour explorer à loisir. Passer la ligne: Florence Uffizi Gallery Tickets vous permettent de contourner les lignes et explorer la galerie à votre propre rythme sans un guide. Une autre option est de combiner les Offices avec l'autre grande galerie d'art sur un Skip the Line: Florence Accademia et Uffizi Gallery Tour, en passant une heure et demie dans chaque musée avec un guide d'art-expert. Une visite à pied est le matin, l'autre l'après-midi, chaque fois en contournant les files d'attente.

Visiter la Galerie des Offices de votre propre chef: Bien que l'on puisse s'attendre à ce que les lignes d'admission soient très longues du printemps à l'automne, les plus longues sont les fins de semaine, les mardis et le matin. Si vous n'avez pas réservé de billets à l'avance, vous pouvez parfois les acheter à la billetterie du musée à l'église d'Orsanmichele (fermé le dimanche). Ils peuvent ne pas avoir de disponible, mais ça vaut le coup d'essayer. Des visites audio sont disponibles, mais le petit guide vendu à l'entrée est plus détaillé.

Adresse

Piazzale degli Uffizi 6 (près de Piazza Signoria), Florence